O fotógrafo Bruno Boni abriu sua residência no Rio de Janeiro como espaço expositivo, onde a fotografia fine art torna-se parte da experiência do cotidiano. É da convivência diária com suas próprias imagens que ele extrai o norte para cada novo clique.
Diariamente, ao caminhar por sua casa, Bruno passa por um mesmo corredor. Nele, há uma foto de sua própria autoria que sempre o impacta. “Camadas Cariocas” é uma composição de silhuetas icônicas da cidade onde mora (Pão de Açúcar, Pedra da Gávea e Dois Irmãos sobrepostos em camadas).
“Eu vejo essa foto todos os dias, então ela virou uma espécie de bússola: me lembra por que faço o que faço e qual padrão eu quero manter em cada nova obra”, conta. Viver cercado pelo próprio trabalho, explica, deixou de ser somente um lembrete do resultado para passar a fazer parte do processo: é referência, cobrança e combustível ao mesmo tempo.
A relação entre a casa e a arte que ela abriga é, segundo Bruno, simbiótica. Um ambiente se eleva com a presença da arte certa, porque um bom quadro agrega narrativa, traz sensações e cria novas camadas de sentido para o espaço e para quem mora nele.
Mas o caminho é de mão dupla: quando uma obra vai para a casa de alguém, ela também ganha vida própria, absorvendo características do ambiente em que está, dialogando intensamente com ele. “Essa polissemia se alimenta tanto do olhar do artista quanto da presença do colecionador”, explica.
A faísca que transformou a câmera em carreira acendeu em junho de 2016, em Manhattan. Bruno morava em Nova York e descobriu que ia acontecer o alinhamento da Strawberry Moon com a malha viária de Manhattan, um fenômeno que, até então, só havia sido registrado publicamente com o sol, não com a lua.
Ele se programou, foi até o ponto calculado e fez a imagem que ficaria conhecida como “Moonhattanhenge”. Em poucas horas, a foto teve grande repercussão, sendo republicada, inclusive, no Instagram da CNN, o que o levou a considerar seguir carreira como fotógrafo. Dez anos depois, é uma das obras com melhor aceitação do público em seu site.
Mas o olhar que capturou aquela imagem foi moldado muito antes, em uma formação que, à primeira vista, pouco parece ter a ver com fotografia. Formado em Economia pela PUC-Rio, com mestrado em Estudos de Sustentabilidade pela Columbia University, afirma que essa formação ainda ecoa no olhar fotográfico de maneira intensa.
Muitas de suas imagens tentam transmitir a relação entre o humano e a natureza, como “Moonhattanhenge”, “Lua e Bondinho do Pão de Açúcar” e “Stairway to Heaven”. Há também uma convicção que vem da sustentabilidade e que orienta parte de seu trabalho com vida selvagem: você só pode preservar aquilo que conhece.
Ele fotografava há décadas, mas por muito tempo as imagens ficaram restritas a um disco rígido pessoal. “Tinha a técnica, o planejamento meteorológico e astronômico, a pesquisa do comportamento e endemismo de certos animais, mas sem muita atenção às qualidades artísticas daquela imagem”, recorda.
Com o passar dos anos, desenvolveu também esse olhar, buscando eliminar elementos de distração e tornar cada imagem mais harmoniosa; a fotografia já era sua linguagem muito antes de virar carreira. É desse olhar intencionalmente apurado que nasce cada obra.
São vários elementos que se combinam no momento do registro: a busca pelo ineditismo, o alinhamento calculado, o clique com perfeição técnica. Algumas imagens se tornam verdadeiros desafios.
A obra pronta, no entanto, não encerra o processo. Quem define o espaço que ela vai ocupar é o colecionador, porque é aí que ela nasce de novo, dessa vez para ele.
Todas as obras têm disponibilidade em diferentes tamanhos para que o colecionador tenha flexibilidade de escolha e encontre o formato que melhor dialoga com o próprio ambiente, mas uma exigência sua é inegociável: as versões maiores precisam manter resolução suficiente para que quem se aproxime da obra consiga ver detalhes.
Para ajudar o colecionador a visualizar a obra em seu próprio espaço, Bruno criou imagens de ambientação com inteligência artificial para o site. A ideia nasceu de uma constatação prática: imprimir e pendurar todas as obras para fazer simulações reais é completamente inviável, e muitos colecionadores preferem manter a privacidade do próprio espaço, o que é compreensível.
Quando a pessoa vê apenas a imagem no site, é natural que não consiga projetar como ela fica em formato de quadro. As ambientações criadas com IA preenchem essa lacuna, possibilitando que as pessoas imaginem a obra exposta em diferentes contextos.
É importante deixar claro, porém, que o uso dessa tecnologia é estratégico e bem específico: ela entra apenas para criar a ambientação no site; jamais na edição das fotografias.
Outra estratégia à qual recorre sempre que pode para ajudar o colecionador é proporcionar visitas a um lugar bem especial, que inspirou a temática dessa matéria: sua própria casa.
Além de moradia, ela funciona também como espaço expositivo, como se fosse uma casa-museu, com visitas mediante agendamento. Essa é uma forma de dar acesso ao universo que existe por trás das obras, um pouco do mesmo impulso que o leva a publicar vídeos no Instagram (@brunoboni): mostrar o que está por trás da busca pela perfeição técnica e, principalmente, ajudar as pessoas a sentirem como seria ter aquele trabalho no próprio espaço.
A experiência é diferente de ir a uma galeria; a distância entre artista e público é muito menor. Ver as reações ao vivo já lhe deu ideias de imagens que pretende fotografar em um futuro próximo.
Antes de sugerir uma obra para um espaço específico, Bruno faz uma pergunta simples e, ao mesmo tempo, difícil de responder com sinceridade: “O que te emociona?” A resposta, diz ele, revela muito mais sobre qual obra vai fazer sentido para aquela pessoa do que qualquer descrição de metragem ou paleta de cores. É o ponto onde a curadoria deixa de ser técnica e passa a ser intuitiva, guiada por algo que não cabe em uma ficha de especificação.
A diferença entre decorar um ambiente e transformá-lo através da arte tem, para Bruno, contornos técnicos e conceituais. O acabamento museológico e o refinamento de cada impressão fazem parte, mas o que considera mais importante é outra coisa: cada obra é uma cópia numerada, com certificado de autenticidade, o que permite que ela seja tratada como ativo e ganhe valorização ao longo do tempo.
“Cometa e Cristo”, por exemplo, nunca mais poderá ser refeita, porque aquele cometa se desintegrou. Apenas cinco pessoas no mundo poderão ter essa imagem na versão maior, de 120 por 150 centímetros. É esse tipo de raridade que respeita o colecionador e sustenta uma curva real de valorização da obra.
Bruno relata que o mercado brasileiro de arte vive um momento de maturação perceptível, sendo o Brasil já tratado como um dos mercados de referência para compra e circulação de arte no mundo, ao lado de praças como Estados Unidos e Reino Unido.
Na fotografia fine art, isso se manifesta de um jeito peculiar: colecionadores mais jovens têm mais disposição para comprar fotografias, saindo um pouco das artes plásticas como tradicionalmente conhecidas.
Formatos como tiragem limitada e edições numeradas, que a fotografia adota naturalmente, ganham espaço porque permitem entrar nesse universo com mais liberdade, sem a pressão de um investimento único e irrepetível como acontece em uma pintura de peça única.
A fotografia fine art carrega também uma conexão emocional quase imediata com quem olha, algo que conversa bem com um público, incluindo arquitetos, que busca obras com sensibilidade e significado real para os ambientes.
Quando alguém leva uma de suas obras para casa, Bruno espera que ali seja um ponto de parada na correria do dia a dia. “A ideia é que a obra vire uma espécie de âncora, algo que te lembra de alguma coisa importante toda vez que você passa por ali, mesmo sem parar para pensar conscientemente nisso”, diz. “Se eu conseguir isso, o ciclo do nascimento da foto está completo.”
